Chez la fouille

Maferefun los Orishas - Hans Vergara

2009-04-04T23:38:00.000-07:00

Exposition de peintures de Hans Vergara

« AVEC LA BENEDICTION DES ORISHAS », divinités tutélaires de la santería afro-cubaine, religion née de plusieurs siècles de syncrétisme entre les croyances animistes des esclaves africains d’origine Yoruba (sud-ouest du Nigeria, Togo, Dahomey) et la foi catholique des colons espagnols.

MAFEREFUN LOS ORISHAS, qui incarnent les forces élémentaires de la nature et assurent la protection de leurs adeptes.

MAFEREFUN Elegguá, doyen des chemins et des carrefours, gardien du destin des hommes, de la fortune et de l’infortune, qui ouvre ou ferme les portes de la vie et du hasard selon son bon vouloir.

MAFEREFUN Olorun, dieu du soleil incarnant la force vitale et l’énergie universelle.

MAFEREFUN Ochún, patronne de Cuba, déesse de l’amour, de la féminité et de la fertilité, gardienne des rivières et pourvoyeuse de richesses.

MAFEREFUN Changó, dieu de la foudre et du tonnerre au caractère belliqueux.

MAFEREFUN Yemayá, déesse des océans, protectrice des voyageurs en mer et patronne de La Havane.

MAFEREFUN Osain, dieu de la nature, gardien de la forêt et des herbes médicinales et magiques.

MAFEREFUN los egguns, esprits des ancêtres et des anges gardiens qui m’accompagnent et m’inspirent au quotidien.

Exposition Hans Vergara

2008-12-02T16:24:00.000-08:00

Hans Vergara, artiste peintre d’origine cubaine, vit en Nouvelle-Calédonie depuis décembre 2006. Fortement inspiré depuis toujours par la vie foisonnante et la végétation luxuriante des tropiques, cet artiste s’intéresse également à la magie et au mystère qui se dégagent des pratiques religieuses du monde entier, qu’elles soient afro-cubaines, amérindiennes, mélanésiennes… Sensible à la culture et à l’environnement océaniens qu’il découvre depuis son arrivée sur le Caillou, Hans Vergara nous livre ici des œuvres qui reflètent la rencontre picturale de deux mondes, de deux univers îliens distincts mais aux similitudes naturelles, culturelles et religieuses certaines : Cuba et la Nouvelle-Calédonie.

Album île de Maré-mariage coutumier

2008-10-18T16:06:00.000-07:00

La plage de Cengeité

Fleurs du jardin de Mima

Case traditionnelle de Maré

La coutume : offrande d'ignames par les oncles maternels du marié

Tas d'ignames offerts par les oncles maternels du marié

Femmes préparant le repas

La cuisine collective

La tambouille

Les ignames offertes par les familles des mariés

Le banquet

La plage de Cengeité

Case traditionnelle dans la tribu de Cengeité

Petit pin colonnaire au bord de la plage

Cheveux d'ange

Petite fille de Maré en robe mission

2008-05-07T19:09:00.000-07:00

Chutes de la Madeleine

Réserve botanique des Chutes de la Madeleine

Creek Pernod

Flore endémique à la réserve botanique des Chutes de la Madeleine

Rivière des Lacs

Jules Hmaloko, nus artistiques sur papiers argentiques

2008-05-07T17:47:00.000-07:00

Avec l’exposition des photographies noir et blanc de Jules Hmaloko, le centre culturel du Mont-Dore vous invite à pénétrer dans l’univers des tabous en Océanie et à lever un peu le voile sur ces différents interdits.

Dans la société mélanésienne, la nudité, on n’en parle même pas. Alors, pour exposer des photographies de nus artistiques comme le fait ce mois-ci Jules Hmaloko, il ne faut pas manquer de courage ni d’ouverture d’esprit. Mais l’artiste se défend toutefois de vouloir jouer les provocateurs.

Ce qui le fascine, c’est la beauté du corps humain. Pour lui, « le corps même est une œuvre d’art ; dès lors, les artistes ne peuvent que mener des recherches en plaçant le modèle, en trouvant des poses et des points de vue originaux ». Son objectif est de mettre en valeur les femmes océaniennes, la sensualité féminine, à travers la création d’une image qui soit esthétique. Pour cela, il s’appuie sur les formes de leur corps, sur l’entremêlement de leurs membres, sur les jeux d’ombre et de lumière.

Respect et valorisation de la femme

Ses œuvres sont le résultat d’un travail à deux, celui du modèle et le sien, car il tient toujours à laisser aux femmes qu’il photographie la liberté de s’exprimer : « Les femmes qui viennent dans mon studio n’ont bien évidemment pas l’habitude de se déshabiller devant quelqu’un d’autre que leur conjoint. Elles sont gênées. Aussi, je les laisse décider des poses qu’elles veulent prendre et de ce qu’elles veulent montrer ou non. Ensuite, j’adapte mon point de vue par rapport à la photographie que je veux faire. » Et par respect pour ces dames, pour leur famille et leur profession, l’anonymat est toujours respecté, leurs visages demeurant dissimulés ou hors champ. Par ce travail focalisé sur la célébration de la féminité, Jules Hmaloko a, sans s’y attendre au départ, aidé quelques-uns de ses modèles à mieux s’accepter physiquement.

« Derrière ce que je fais, il y a un aspect thérapeutique. Je vois souvent des femmes qui, en arrivant, sont un peu complexées par leur corps et qui, après la séance de photos, se sentent un peu plus libérées. »

Car grâce à ces photographies qui renvoient une image d’elles-mêmes qui ne triche pas, certaines de ces femmes ont réalisé qu’elles pouvaient être belles et sensuelles malgré leurs « imperfections ». Outre ce facteur thérapeutique, l’œuvre de Jules Hmaloko contribue également à porter un regard différent sur la femme mélanésienne, habituellement "cantonnée" dans le rôle de maman. Un hommage à la gente féminine à découvrir au plus vite !

Portrait

Jules Hmaloko, originaire de Lifou, réside au Mont-Dore où il donne libre cours à sa passion pour la photographie. Attiré depuis toujours par cet art, il prend ses premiers clichés en autodidacte avant de suivre deux formations données par des photographes professionnels : l’une en 2002-2003, à la Chambre des métiers de Nouméa, auprès de Dominique Soubileau, l’autre en 2004-2005, au centre culturel de Koutio, auprès de Claude Baudemoulin. Jules Hmaloko compte déjà à son actif deux expositions collectives, à Nouméa en 2003 et à Koutio en 2004, ainsi que deux expositions personnelles, à l’hôtel de la province Sud en avril 2007 et au centre culturel de Koné en octobre 2007. Souhaitons bon vent à cette troisième exposition personnelle afin qu’elle atteigne, pourquoi pas, l’autre bout de l’île.

Peggy Bonnet Vergara
Texte publié dans Mont-Dore Infos, mai 2008.

Lumières et ombres de la femme dans l'oeuvre de Wifredo Lam

2008-05-07T17:17:00.002-07:00

L’adjectif qui revient le plus, quand on aborde l’œuvre de Wifredo Lam et les divers textes d’érudits qui s’y rapportent, est vraisemblablement celui d’« universel ». Un seul mot semble ainsi résumer des années de travail, d’inspiration et de réflexion ; des centaines de tableaux, de gravures, de dessins, de pastels ; toute une vie dédiée à l’art et à ses mystères. Mais quel mot ! C’est celui qui unifie pour confondre, qui embrasse la totalité des êtres et des choses ; c’est celui qui s’adresse à tous, se nourrit de tous et qui est compris car ressenti par tous ! Telle est bien l’œuvre de Wifredo Lam en effet. De cet homme - comme tout homme – ‘fruit’ de la vie, issu de familles, d’origines, de cultures hétéroclites, portant naturellement en lui les stigmates des fluctuations hasardeuses de l’histoire. Universel, il le fut en effet non seulement par ses origines mais aussi et surtout par ses pérégrinations de par le monde, par sa quête incessante d’échanges culturels, d’expressions artistiques, de créations poétiques. Universel, il le fut, oui, dans sa vie et dans son œuvre pour avoir retracé, d’année en année, de continent en continent, l’histoire de l’art de l’humanité tout en cherchant à se rapprocher davantage de la modernité et à façonner sa propre originalité. Universel, enfin, pour avoir recréé, à sa terrible façon, l’appel envoûtant du mystère premier, l’éternelle interrogation en suspens sur l’origine de l’humanité, de la vitalité.

Ainsi, à travers le peuple d’êtres hybrides et déconcertants de sa poétique, qui s’unissent dans leur chair, fusionnent leurs énergies, se réinventent en de nouvelles entités, Wifredo Lam reflète, par ce syncrétisme formel et identitaire, la vision empreinte de crainte, de superstition et surtout de magie, de nos ancêtres, les premiers hommes, devant la grandeur de la nature environnante. C’est la dimension intemporelle et universelle de la vie, dans ses manifestations terrestres mais aussi surnaturelles, qui est chez lui célébrée. Et l’énergie utilisée n’est pas seulement vitale, elle est aussi matérielle, spirituelle, cosmologique. Là demeure l’âme de l’art de Lam ! Dans son bestiaire d’êtres, à queues de cheval, jambes humaines et faces lunaires, dans ses formes abstraites, virevoltantes, à gueule d’étrier et au couteau brandi ; dans chacune de ses manipulations génétiques frénétiques du pinceau ou du trait, Wifredo Lam interpelle le spectateur sur les énigmes de la vie, de la mort, de l’art, de l’amour, de l’homme et de la femme. Lui non plus n’a pas échappé à cet autre secret inexpliqué auquel l’histoire de l’humanité s’est frottée, piquée, brûlée : la femme, cette créature aux mille visages qui depuis tout temps fascine, émerveille, terrifie les hommes, qui ne cesse de hanter les artistes et d’être dévoilée, conjuguée, sublimée sous la plume des poètes, le pinceau des peintres. Incarnation artistique des pulsions sexuelles masculines, son image trahit le malaise ou l’ivresse de chacun. Qu’ils furent romantiques, surréalistes ou ‘modernistes’, les hommes ont célébré les vices et vertus de l’autre sexe. Leurs fantasmes se sont prêtés au jeu de la création, révélant un univers de visions merveilleuses, mystérieuses, voire dangereuses de la femme. Comme si elle était vue, analysée, créée, recréée au travers des nombreux petits cailloux colorés d’un kaléidoscope. Dans son choc des cultures et son univers magique des formes, l’art de Lam est aussi l’œuvre d’un poète, d’un amoureux, d’un séducteur qui collectionnait le cœur des belles. Sensible au mystère féminin, il en a célébré les charmes et les mirages. Parmi les cornes, les sabots, les crinières de la gente ‘lamienne’ ; entre les lianes, les feuillages, les esprits et tous les sauvages personnages qui peuplent son langage, nous voyons facilement apparaître une face, une essence, une identité, une évocation de la féminité. Constituant un univers d’identités multiples à elle seule, nous pouvons nous demander alors, quelle est la place, au sein de l’édifice de l’artiste, de cette femme qui parsème ses créations tout autant par certaines formes subjectives comme un sein, une chevelure, une main que par les conceptions mythiques traditionnelles qu’elle dégage.

Lors de son séjour à Marseille de juillet 1940 à mars 1941, aux côtés d’André Breton et de quelques surréalistes réfugiés dans la cité phocéenne, Wifredo Lam eut pour la première fois l’occasion de collaborer, en tant qu’illustrateur, à la réalisation d’une œuvre poétique : Fata Morgana que Breton venait juste d’écrire. Par l’absence de tout contrôle exercé par la raison, par le recours au geste automatique et les libres associations d’idées, préconisés dans les pratiques surréalistes, Lam acquit une plus grande liberté formelle et iconographique en faisant appel aux ressources infinies de l’imagination. Ainsi, les dessins à l’encre réalisés pour ce long poème marquèrent la naissance de son monde étrange, de son bestiaire d’êtres fantastiques dans lequel les sexes puis les espèces fusionnent. Dans ces illustrations où l’on voit apparaître ou continuer à se développer quelques identités originales de son vocabulaire formel comme l’androgynie, la maternité ou le biomorphisme, la femme investie sous un nouvel angle l’espace imaginaire et pictural du Cubain. Auparavant présente sous son aspect individuel, personnel dans les portraits des dames de son entourage ou comme modèle servant de support technique à ses recherches stylistiques - que ce soit dans ses séries d’odalisques de 1937 ou dans ses personnages hiératiques, méditatifs, proches de la stylisation de l’art tribal de 1938-1940 - la femme est désormais célébrée, sous les traits de sa compagne Helena Holzer, dans sa nature de femme-enfant, doyenne de l’innocence éternelle de l’amour, comme muse aux cheveux longs, inspiratrice de la verve artistique du peintre ou encore comme l’éternelle fiancée, cette autre moitié de l’androgyne primordial, dont tout un chacun aspire à l’accomplissement et à l’unité tant physique que spirituelle.

Dès lors, certaines de ces identités féminines se feront récurrentes dans toute son œuvre, y compris dans ses gravures, où nous retrouvons ces créatures androgynes aux seins généreux et aux mentons ornés de testicules, ces êtres qui se dédoublent, s’interpénètrent, mutent dans leur nature qui n’est déjà plus humaine mais bien plutôt hybride, animale et végétale. Aussi, n’est-il pas étonnant de retrouver ces êtres en regard d’Apostroph’Apocalypse de Gherasim Luca dénonçant le danger de l’arme nucléaire, non pas en tant qu’exemples de mutations possibles en conséquences de l’emploi d’une telle arme mais plutôt comme manifestes à la gloire de l’essence vitale, souveraine et impénétrable. Car, le corps métamorphosé, couverte de feuillage, ornée de sabots, de cornes ou de plumes, la femme participe, sous ses aspects terrestres de donneuse de vie et de mort, au cycle de la nature tel que l’univers de Lam nous le rappelle dans sa célébration de Dame Nature, de la Terre Mère, génératrice et nourricière. Mais la femme, parée de sa chevelure feuillue et de ses bourgeons prêts à éclore, est également munie de ronces, d’épines menaçantes qui sont autant d’atouts pour défendre ou dissuader toute atteinte au patrimoine vital qu’elle incarne.

De même, ces femmes-oiseaux, ces oiseaux de la paix, ces seins ailés pointés comme des canons, qui accompagnent notamment le poème Croiseur Noir d’André Pieyre de Mandiargues, lui aussi sur le thème de la menace nucléaire, constituent autant de symboles de la victoire de la vie sur la guerre et la destruction. Le recours aux volatiles, Coqs Caraïbe ou Oiseaux Cannibales, mi-hommes, mi-animaux, nichant dans les têtes des personnages ou encore élevés, par des mains délicates, en présentation ou en offrande, participe de cette même volonté de démonstration, en tant que gardiens d’un capital aussi vital que spirituel. Coqs de Chango ou d’Ogun, ils rappellent ces sacrifices de pigeons ou de poulets que l’on fait aux dieux - dans la religion yoruba pratiquée à Cuba ou dans le vaudou des Antilles - pour qu’ils se nourrissent de leur sang et se recouvrent de leurs plumes. Chez Lam, qui depuis son retour à Cuba en 1941 s’intéressa de très près aux croyances et pratiques religieuses de son île, les nombreuses têtes ou les chapeaux parés de ces volatiles évoquent également la représentation d’Eiye ororo[1], l’oiseau que Dieu pose, dans la tradition yoruba, sur la tête de l’homme ou de la femme, à sa naissance, comme emblème de l’esprit, du pouvoir et du destin de la personne. Enfin, ils peuvent être associés à l’orisha Osun, qui, toujours dans la mythologie yoruba, est le gardien de la tête ; il représente la vie elle-même et est matérialisé sous la forme d’un oiseau en fer forgé. La femme accompagnée ou hybridée par ces volatiles devient en quelque sorte l’héritière, la protectrice de la spiritualité.

Une autre identité féminine récurrente dans le bestiaire ‘lamien’ et que l’on retrouve dans la plupart de ses gravures dont, ici, L’Antichambre de la Nature, Apostroph’Apocalypse, Annonciation, Visible invisible, Le Regard Vertical ou Orsa Maggiore, est cette étrange créature aux seins relevés et à la face allongée, aux gracieux déhanchés et aux ports de tête majestueux, baptisée ‘femme-cheval’[2], naturellement élégante et mystique, et qui peut être considérée comme le pendant féminin du minotaure ‘picassien’ - de ce puissant homme-taureau personnifiant la virilité suprême - dans son incarnation de la féminité bestiale, naturelle et sauvage. En buste, elle ne nous offre toujours qu’un profil à regarder et bien qu’impassible, elle semble sans cesse nous interpeller. C’est peut-être qu’elle a fonction de messagère, cette femme-cheval, relieuse d’hommes aux esprits puisque, dans ces mêmes rites vaudous et yorubas, les dieux ou les morts prennent possession du corps de leur disciple en transe, en le chevauchant, pour communiquer à travers lui.

La femme-cheval n’est pas la seule à exercer ce rôle d’intermédiaire entre les mondes terrestres et célestes, d’intercesseur entre les dieux et les hommes ; d’autres entités féminines partagent chez Lam cette fonction comme ces innombrables femmes en situation d’offrandes, brandissant des lampes, des couteaux, des bouquets de fleurs, présentant à bout de bras des oiseaux, des animaux, des coupes cérémonielles ou encore ces petites têtes cornues, semi-circulaires, qui évoquent l’orisha Eleggua – le loa Legba, gardien du destin, ouvrant ou fermant les portes de la vie selon son bon vouloir. En détenant d’un côté le feu sous la forme de flammes, de bougies ou de lampes et de l’autre le couteau sacrificiel, les femmes de Lam s’affichent en gardiennes et détentrices de la lumière, de la magie et une fois de plus de la vie. Car, comme le souligna Pierre Mabille[3], grand ami de Wifredo Lam qui l’initia plus particulièrement à l’alchimie et à l’ésotérisme, « la conquête de la lumière est pour l’homme le premier pas de la maîtrise du monde et posséder la lumière consiste donc à créer la lampe qui supprimera la nuit et avec elle son cortège de terreurs »[4]. La lumière symbolisant la connaissance et la vérité, la lampe a fonction de transmission du savoir et de la spiritualité d’où sa préciosité à garder et protéger. Dans la tradition mystique, la lampe peut aussi représenter l’homme : le support étant son corps, l’huile à brûler son principe de vie et la flamme son esprit. Dans cette perspective, l’offrande de la lampe équivaudrait à un don de soi, à une demande de protection envers les esprits : « Sur l’autel, où les rites s’élèvent vers la force principale de la nature, la flamme témoigne de la puissance que l’homme s’est acquise ».[5] Le feu, qui se veut aussi régénérateur et purificateur, représente l’illumination et la destruction, la mort et la renaissance ; en offrant le feu, c’est un échange de forces de vie qui est consommé. Il en est de même du couteau brandi, arme à la fois défensive et agressive, outil de défense de l’individu, de la famille, du groupe social mais aussi des idées politiques et intellectuelles. A sa fonction dissuasive et protectrice, s’ajoute désormais chez Lam la fonction rituelle : le couteau, instrument du sacrifice, est le véhicule de la destruction, le serviteur de la mort mais aussi le transformateur, le répartiteur d’énergie, le lien entre l’homme, l’offrande et les dieux. Telles les prêtresses de l’Antiquité ou les figures impassibles de l’Egypte pharaonique, ces femmes signent, par l’accomplissement de leur rituel d’offrande ou de sacrifice, un pacte de respect et d’union envers les ancêtres, les esprits et les divinités.

Enfin, chez Lam, une autre entité a vocation d’intermédiaire entre deux mondes distincts, il s’agit de la femme au miroir. Ses apparitions dans son œuvre ne sont pas très nombreuses - nous trouvons cependant un exemple dans une des illustrations de L’Herbe sous les pavés de Jean-Dominique Rey - mais suscitent néanmoins la curiosité par son originalité. Le miroir dans sa définition même est un instrument magique, pouvant refléter à l’identique mais de façon inversée le monde qui nous entoure, recréant ainsi une nouvelle représentation de la vie et de nous-mêmes. En tant que surface réfléchissante, le miroir possède une symbolique riche dans l’ordre de la connaissance : il reflète la vérité telle qu’elle nous apparaît, incarnant lui aussi la sagesse et la connaissance mais reflète en même temps un aspect de la réalité qui est déformé par l’image inversée, plongeant alors l’observateur dans le domaine de l’illusion et de la vacuité. Sujet de prédilection des Vanités des peintres du XVIIème siècle cherchant à évoquer symboliquement la destinée mortelle de l’homme, le miroir se retrouve chez Lam dans une perspective opposée, plus proche de celle de Lewis Carroll et de son Alice au Pays des Merveilles, où le miroir constitue le seuil, le passage mystérieux menant à un monde enchanté, merveilleux où l’impossible devient possible et les rêves réalités. Moyen de défense comme dans Fata Morgana de Breton[6], objet engendrant les premières interrogations métaphysiques pour Mabille[7] ou instrument de divination dans la tradition ésotérique, le miroir, entre les mains de la femme, lui confère de nouveaux pouvoirs métaphysiques et l’élève alors au rang de magicienne. Gardienne du seuil, elle seule a le pouvoir d’accéder de part et d’autre des mondes séparés.

Outre leurs incarnations d’ordre terrestre, certaines identités féminines de Wifredo Lam relèvent d’une dimension plus céleste, dans une interprétation surnaturelle et divine du terme. Nous l’avons vu, Dame Nature, la femme-cheval ou encore les gardiennes du seuil possèdent par leurs hybridations identitaires ou leurs attributs cérémoniels, un surplus d’énergie leur insufflant une part de déité. Investie de forces bénéfiques ou maléfiques, la femme devient déesse, sainte, fée ou sorcière. Dans la série d’eaux-fortes d’Annonciation, à partir desquelles Aimé Césaire écrivit ses poèmes, nous retrouvons la femme à l’escalier, impassible et majestueuse, qui peuple bon nombre de ses dessins et qui est à rapprocher de la Vierge Marie, recevant le message d’Annonciation de l’ange Gabriel, souvent représenté par une femme-cheval ailée brandissant une lampe - ou dans le cas nous concernant d’un phallus plus qu’évocateur - et accompagné d’un oiseau ou d’un œuf ailé représentant sans doute le Saint Esprit. Pour autant, chez Lam, le terme d’Annonciation n’est pas à prendre seulement dans son sens religieux mais aussi et surtout dans son sens général, visant à unir et confondre toutes les cultures dans une nouvelle ère annoncée, celle revendiquant le syncrétisme universel. Dans ces allusions faites à la Vierge Marie - dans ses œuvres sur le thème de l’annonciation, de la maternité, de la nativité ou du mariage mystique - la femme est investie d’une pureté, d’une innocence, d’une sainteté inhérente à sa définition. Mère de l’humanité, elle devient en même temps rédemptrice de celle-ci et les nombreuses femmes à la pomme tendue, davantage fruit d’immortalité du jardin des Hespérides que pomme de la discorde, que nous trouvons principalement dans les toiles de Lam, sont, d’après nous, autant d’Eve, de Vénus ou d’Aphrodite, magnifiant l’idée d’amour au détriment de celui de péché.

De même, les fées, messagère de l’autre monde, voyageant souvent sous la forme d’un oiseau ou d’un cygne, remettent à ceux qui les sollicitent, une pomme ou une branche possédant des qualités merveilleuses. Originellement expressions de la Terre Mère, elles devinrent esprits des eaux et de la végétation, apparaissant le plus souvent près d’une source, d’une grotte ou d’un fleuve mugissant. Certains tableaux de Lam comme Zambezia-Zambezia, Tresse d’eau ou La Sirène du Niger évoquent des entités féminines aquatiques, mystérieuses et envoûtantes qui peuvent être rapprochées de ces fées mais aussi d’un mythe cubain d’origine amérindienne que le peintre côtoya durant son enfance à Sagua la Grande : celui de ‘la Madre de Agua’, de cette femme-serpent hantant les points d’eaux de la campagne cubaine et attendant que ses victimes humaines s’approchent d’un peu trop près afin de les précipiter dans ses profondeurs.[8]Arcane 17 comme symbole de la condition féminine et de son pacte immémorial avec les forces telluriques. C’est ce même être, moitié femme, moitié serpent, que Breton, sous l’identité de la fée Mélusine, choisit dans [9]

Ailleurs, la femme devient céleste par ses associations à la lune, à cet astre que Lam, enfant, était arrivé à s’imaginer comme « une créature terrible et mystérieuse»[10], sous l’influence des superstitions de la campagne cubaine disant de fuir la lune, de ne pas croiser sa lumière sous peine de voir le diable apparaître et d’y faire très attention car elle vole les enfants et les emporte avec elle. Nombreuses sont les créatures féminines à face demi lunaire, qui renvoient aux notions de transformation, de croissance, de fécondité et d’immortalité inhérentes à l’astre, qui, à travers la mythologie, le folklore ou les contes populaires de toutes les époques et de tous les horizons, concerne la divinité de la femme et la puissance fécondante de la vie. Mais, ces êtres lunaires sont aussi à rapprocher des côtés obscurs de l’inconscient collectif dans la mesure où les phases visibles et invisibles de l’astre renvoient à la part d’âme animale, aux pulsions instinctives de l’individu, au primitif qui sommeille en nous et dont les manifestations se révèlent toutefois dans le sommeil, les rêves, l’imaginaire et se matérialisent notamment dans les créations artistiques.

Tantôt bonne, bienfaitrice dans sa dimension terrestre, tantôt maligne, initiatrice, enchanteresse dans son rôle d’intermédiaire ou encore tentatrice, maléfique ou rédemptrice sous ses aspects célestes et métaphysique de déesse ou de sorcière, la femme, détentrice des pouvoirs perdus de l’homme, est avant tout chez Lam la magicienne de l’amour, gracieuse, élégante, érotique. Dans les gravures, la femme se dévoile, davantage qu’ailleurs, car le contexte étant plus propice à l’intimité, une vulve peut apparaître et provoquer le trouble du sexe opposé. L’œuvre entière de Wifredo Lam constitue un hymne aux forces de régénération qui émanent de la femme, dispensatrice de l’idée d’amour, « seule capable », d’après André Breton, « de réconcilier tout homme, momentanément ou non, avec l’idée de vie »[11] et semble illustrer cette autre pensée de Breton : « C’est à l’artiste, en particulier, qu’il appartient (…) de faire prédominer au maximum tout ce qui ressortit au système féminin du monde par opposition au système masculin, de faire fond exclusivement sur les facultés de la femme, d’exalter, mieux même, de s’approprier jusqu’à faire jalousement sien tout ce qui la distingue de l’homme sous le rapport des modes d’appréciation et de volition ».[12] Omniprésente dans ses créations sans être pour autant omnipotente, la femme observe, interpelle, interroge le geste de l’artiste, le regard du spectateur, oscillant, à l’heure de leur confrontation, entre éros et thanatos. Tels les reflets à la fois invisibles et aveuglants d’un miroir, chacune de ses apparitions reflète une émanation différente et pourtant universelle de son identité.

Peggy Bonnet Vergara
Texte publié dans Wifredo Lam, L'Urgence poétique, catalogue d'exposition, Guadeloupe, mai-juin-juillet 2004, p. 27-33.

Cf. : http://www.gensdelacaraibe.org/lettres/25_29_03_04.htm

[1] Comme l’a souligné Desiderio Navarro dans son essai «Leer a Lam», Premio de la Crítica, Salon de Artes Plasticas, UNEAC, La Habana, 1987, P. 6.

[2] Lowery Sims a été l’une des premières à s’intéresser à cette entité particulière chez Lam.

Pour plus d’informations, voir notamment Laurin-Lam, Lou. Catalogue Raisonné of the Painted Work of Wifredo Lam, Volume I, 1923-1960. Lausanne : Editions Acatos, 1996. Pp. 118-169.

[3] Wifredo Lam et Pierre Mabille se sont rencontrés à Paris vers 1939. Ils se visitèrent souvent à Cuba dans les années 40 mais aussi en Haïti, où, Mabille, alors attaché culturel à l’ambassade de France, lui organisa une exposition personnelle en 1946.

[4] Mabille, Pierre. Conscience lumineuse, conscience picturale. Paris : José Corti, 1989. P. 36.

(1^ère édition en 1938 chez Skira).

[5] Ibidem. P. 36.

[6] « …Ouf le basilic est passé tout près sans me voir

Qu’il revienne je tiens braqué sur lui le miroir… »

André Breton, Œuvres Complètes, Gallimard, 1968. P. 1193.

Le basilic est un animal fabuleux de l’Antiquité se retrouvant dans la tradition médiévale, qui tue ceux qu’il regarde.

On s’en défend en lui opposant un miroir, l’animal étant tué par son propre regard.

[7] Dans la mesure où, posant le problème de l’illusion et de l’inversion, le miroir nous permet d’accéder à l’inconscient, à l’origine du rêve, au lieu où le désir parvient à s’exprimer confusément, libérant ainsi l’homme du carcan de la réalité et lui permettant d’accéder au domaine de l’imaginaire et du merveilleux. Voir Mabille, Pierre. Le Miroir du Merveilleux. Paris : Editions de Minuit, 1962. Pp. 23-24. (1^ère édition en 1940 aux Editions du Sagittaire, Paris).

[8] Voir Feijóo, Samuel. Mitologia Cubana. La Habana : Editorial Letras Cubanas, 1986. Pp. 179-224.

[9] Breton, André. Arcane 17 (1945) dans Œuvres Complètes, Gallimard, 1968.

[10] Wifredo Lam dans : Nuñez Jiménez, Antonio. Wifredo Lam. La Habana : Editorial Letras Cubanas, 1982. P. 231.

[11] Ibidem, note 9.

[12] Ibidem, note 9.

2008-04-30T15:09:00.000-07:00

Une souris, la terre, la lune, une tortue et un coeur

Portrait de famille: Leena, maman et papa

Maman

Portrait de maman
Baleine
Nolita, son doudou

2008-04-30T05:59:00.000-07:00

Eleggua pacifico
2007

El sombrero de Eleggua
2006

Abdul
2005

Llena de pintura
2004

Sans titre
2003

Vaiven para Yemaya

2001

Paisaje indo cubano

2000

Une goutte d'eau touchant la peau de P. endormie

1999

2008-04-30T05:31:00.000-07:00

Plage de Fayaoué

Falaises de Lekiny

Trou bleu d'Hanawa

Case traditionnelle d'Ouvéa

Vanilleraie, Gossanah

Trou aux tortues

Snack, Fayaoué

Lekiny

album NC-Grande Terre

2008-04-30T04:53:00.000-07:00

Maison contemporaine, côte Est

Plage de Tanghy, Moindou

Chez Lolo, Plum

Plaine des lacs, Yaté

Poissons du lagon

Sculpture du Vanuatu et bénitier

Fête de l'igname

Aquarium des lagons, Nouméa

Côte Est

Bac de la Ouaïème, côte Est

Justin, chef de clan

Cascade de Colnett

Vallée de la Tchamba

Case traditionnelle, tribu de Atéou

Plage de Matahi

La Poule de Hienghène

Champ d'ignames

Littoral de la côte Est

Cascade de Tao

Vallée de la Tchamba

Plage de Gatope

île des Pins

2008-04-30T04:23:00.000-07:00

Pins colonnaires

Baie de Saint Maurice

Tricot rayé

2008-04-30T02:34:00.000-07:00

Mathieu Venon ou la complainte des baleines

Entendez-vous cette plainte qui s’élève depuis les profondeurs de l’immensité bleutée ? Cette mélopée venue des abysses, captée par l’artiste et retransmise à la surface de ses tableaux où elle résonne entre les coups de pinceaux ?

C’est le chant funèbre des baleines, des rorquals, des cachalots.

C’est l’appel de détresse de ces géants des mers dont l’existence, dont la survie même sont sérieusement compromises par les activités humaines.

Tendez l’oreille, ouvrez les yeux, écoutez le message des cétacés peints par Mathieu !

Ils sont venus nous dire que le Grand Bleu n’est plus aussi bleu, qu’il vire au rouge sang.

Ils sont venus nous dire qu’ils ne sont plus aussi nombreux. Que, bientôt, ils risquent de n’être plus qu’un souvenir.

Car les pollutions, les perturbations soniques, la surexploitation des ressources marines, les filets de pêche dérivants, les collisions avec les navires et, bien évidemment, la chasse baleinière sont autant de facteurs qui réduisent irrémédiablement leurs effectifs.

En utilisant ses humbles armes - les couleurs et les pinceaux - et en donnant libre cours à son imagination, Mathieu Venon entend interpeller le spectateur sur ces menaces qui pèsent lourdement sur les différentes espèces de baleines, lesquelles se retrouvent, chaque jour davantage, proches de l’extinction.

Et c’est, non sans ironie, à travers quelques références à l’art multiséculaire des estampes japonaises que l’artiste dénonce dans ses œuvres cet état de fait catastrophique, cette terrible situation, dont l’empire du Soleil levant, avec ses chasses à la baleine intensives, est en partie responsable. En effet, sous prétexte de vouloir mener des recherches scientifiques, les pêcheurs japonais tuent environ 1 000 baleines par an. Et, au final, leur chair, aliment de luxe pour les Nippons, se retrouve bien souvent dans les assiettes des restaurants.

C’est donc en s’appuyant sur certains modes et effets de représentation propres aux estampes japonaises : formes soigneusement délimitées, compositions faisant appel à la force des diagonales, sensation d’apesanteur se dégageant de la création, recherche de l’intensité émotionnelle, ou en faisant plus ouvertement un clin d’œil à Hokusai, l’un des grands maîtres de cet art (en évoquant, dans son tableau The end of the white whale, La grande vague de Kanagawa, véritable ode graphique à la gloire de l’océan), que Mathieu Venon a voulu témoigner tant de la majesté et de la beauté naturelles des baleines que des traques et des souffrances qu’elles endurent.

Il s’est fait l’écho de leur martyre, de leurs errances, de leur impuissance… mais a tenu également à leur rendre un hommage vibrant en les dépeignant dans toute leur grandeur, dans toute leur splendeur, évoluant librement, s’ébattant joyeusement dans un océan immaculé… où l’homme, et son éternelle cupidité, demeurent absents.